60's, BeBop, Soul-Jazz, Deep-Funk, Rare Grooves, Cool Jazz, Early R&B, Bossa, Boogaloo, Latin Soul, Rock-Jazz, Freakbeat, Garage, Psicodelia, Northern Soul, French & Italian YE YE, Hammond Grooves, Easy Listening, Soul-Funk, Cumbia Beat, Rocksteady, Calypso, HardBop, Funk-Jazz...

lunes, 12 de marzo de 2012

Frankie Knuckles: "Cambia la tecnología, no la música"

Se me ha ocurrido recordar este artículo original de Daniel Verdú, publicado en El País el 27 de octubre de 2011, a colación de ciertos comentarios de algunos que consideran que muchos de lo que nos dedicamos a poner música desde hace años no deberíamos hacerlo porque somos unos farsantes por el mero hecho de haber relegado el vinilo. Supongo que las nuevas tecnologías están para algo, y hay que saber aprovecharlas. Un selector musical, DJ, pinchadiscos, o como lo quieras llamar no se mide únicamente por su colección de vinilos. El buen hacer y conocimientos de cada uno se ve en las cabinas y en lo que disfruta la gente escuchándote. Y el de Frankie Knuckles, que a sus 57 años sigue disfrutando y haciendo disfrutar, es un claro ejemplo.
Ni un escritor es mejor escritor por tener una colección de plumas impresionante, ni una cantante es mejor cantante por su colección de vestidos, ni un músico es mejor por su colección de instrumentos. Al igual ocurre con la gente que ponemos música... por supuesto que tienes que tener una buena colección de música para poner, y conocerla y disfrutarla y sentirla... pero sin restringir las posibilidades al  formato, a un formato en particular.
Desde que yo empecé a poner música públicamente he utilizado vinilo sólo, vinilo y cintas de cassette, vinilo y cintas de vídeo, cintas de cassette y cd's, vinilo y cd's, cd's y ordenador, y cd's sólos, y no me avergüenzo en absoluto de ello. Y si alguna nueva tecnología me puede ayudar en esta labor no dudaré en utiliizarla.



DANIEL VERDÚ Madrid 27 OCT 2011 - 12:31 CET
La primera vez que pinchó, bueno, la segunda (la primera no entró nadie al club), solo dos personas pasaron a la discoteca Better days de Nueva York. Era enero de 1971, había nieve en la calle y hacía un frío que pelaba. Y aquella pareja, un tipo de pelo blanco y una mujer altísima, estuvo bailando junto a la cabina del dj toda la noche. Al cabo de los días Frankie Knuckles supo que los primeros que vieron cómo se desenvolvía con unos platos en su larga historia como dj (lleva ya 40 años) fueron Andy Warhol y la modelo Verushka.
Con una anécdota tan lejana para explicar sus orígenes no es extraño que a Frankie Knuckles (Nueva York, 1955) se le considere el padre delhouse y, por extensión, de la música de baile moderna y de gran parte de la electrónica. Pero es que además de estar ahí, inventó el género. Cuando se mudó a Chicago, Knuckles, que ayer dio una conferencia en la Red Bull Music Academy de Madrid, se instaló en el Warehouse, un club donde vivía y pinchaba cada noche y donde solo se podía acceder si se era uno de sus miembros (entre los que había muchos gais y latinos). En el piso de arriba había un pequeño lounge, en la planta baja, la discoteca y en el sótano, la cocina. De su nombre, aunque circulan muchas versiones para explicar la génesis del término, viene la mítica etiqueta de house.
"El sonido 'house' no lo creé de forma premeditada. Simplemente sabía que si algo me afectaba emocionalmente, le sucedería lo mismo al resto", dice el artista
El primer gran tema que creó fue Your Love, una remezcla compuesta en 1986 con Jamie Principle que todavía hoy se pincha en las discotecas. "Lo importante era mantener lo mágico que tenía aquella canción, pero hacerla más nueva, relevante, potente. Tenía que ser más fácil de pinchar para un dj", recuerda. En esa época, aquellos pioneros de la música de baile todavía editaban en cinta y los pocos aparatos que tenía Knuckles pertenecían a Principle; una Roland 909, claro, siempre estaba presente. Detrás de esas primeras máquinas comenzó una enorme revolución que terminó extendiéndose a todo el mundo.Pero en esa época Knuckles no pinchaba ese tipo de música. Más bien se dedicaba al post punk, funk, disco... Todo aquello fue surgiendo de forma natural. "El sonido house no lo creé de forma premeditada. Simplemente sabía que si algo me afectaba emocionalmente, le sucedería lo mismo al resto. Algunos sonidos que usaba se fueron repitiendo, la base 4x4, el golpe intenso del bombo... después vas coloreando el resto de la canción", explica en una entrevista después de su charla.
El contagio inglés
Porque la música house, con un epicentro clarísimo en Chicago y en Nueva York, cruzó luego el Atlántico y se instaló en Reino Unido. Knuckles se atribuye también la paternidad de ese contagio que acabó con la gran revolución del acidhouse inglés y que influyó en toda la música que salió de la isla a finales de los ochenta y comienzos de los noventa (como Primal Scream, New Order o Happy Mondays). "Vinieron a verme a Chicago unos periodistas ingleses. Querían saber cómo habíamos creado todo aquello. Les presenté a todo el mundo, fueron a los clubes... Luego se volvieron al Reino Unido y ahí surgió todo aquello", señala.
Contribuyó también que en 1987, el mismo sello que publicaba a los pioneros del house de Chicago (Trax) editase el single Acid Tracks, de Phuture, un tema que abrió la caja de los truenos y que incorporó el sonido del sintetizador Roland TB303 a la pista de baile. En Inglaterra, la lluvia ácida terminó dando a luz a raves que llegaron a concentrar a 20.000 personas hasta arriba de éxtasis. Un follón que llevó al gobierno británico a crear una ley específica para prohibir las salvajes fiestas que proliferaban en almacenes abandonados y en campos de la periferia de las ciudades. De hecho, llegaron a convertir en un delito la concentración al aire libre de más de 100 personas para escuchar música. "Sí, por supuesto que reconozco la influencia que tuve en elacidhouse", dice ahora el autor intelectual de todo aquel desmadre.
Hoy, a sus 57 años, Frankie Knuckles sigue poniéndose detrás de unos platos en clubes de todo el mundo. Camina con bastón a causa de una operación en el pie, pero da la impresión de estar en plena forma. Esta noche pincha en Madrid, pero ya no viaja con sus vinilos. Hoy lleva toda su música en un USB de 64GB. "Ha cambiado mucho la tecnología, pero no tanto la música. Un buen dj tiene que tener una gran educación musical. Haber escuchado de todo, aunque no te guste. Especialmente si también quieres producir. Es importante saber mezclar, pero lo fundamental es la canción que pongas. Por mucha técnica que tengas, si las dos canciones que enlazas son una mierda, el resultado también será una mierda".
A Knuckles no le hace mucha gracia todo el fenómeno de mediados del 2000 en el que los discjockeys se convirtieron en estrellas planetarias y cerraban discotecas en cada extremo del mundo a golpe de jet privado. Es posible que el padre del house, un sonido cálido y plagado de vocessoul, se sintiese en esa época un poco ninguneado, cuando la aridez delminimal techno contaminó las pistas de baile de los mejores clubes del mundo. "Alguien tenía que ser esos dj, pero no yo. Ellos trabajan elevados, por encima de la gente. Tienes que mirar hacia arriba para ver lo que hacen. Yo los llamo showmans. A mí me gusta estar al mismo nivel que el público. Sin ningún adorno extraño, que me puedan mirar a los ojos y ver lo que hago. Considero que es más real".
El mítico DJ de 'house' de Chicago Frankie Knuckles, en la Red Bull Music Academy. / LUIS SEVILLANO

Para ver el artículo original pinchar aquí

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lunes, 31 de octubre de 2011

Plan alternativo para una noche estupenda





¿No tienes ganas de salir? ¿no te gustan las fiestas de halloween, ni los disfraces, ni los "truco o trato"?
Te entiendo...
pues pasemos al plan B:


Lo puedes hacer sol@ o acompañad@


1 - Ponte ropa cómoda.
2 - Sírvete una copita de vino, o cerveza... y algo rico para picar.
3 - Ponte cómod@... muy cómod@... con una luz tenue...
4 - Pincha este link y disfruta un poco del sonido... 

5 - A continuación pincha esto otro link sin apagar el anterior...
6 - Sin cerrar los anteriores enlaces, hora pincha aquí, y maximiza...




..Y déjate llevar y disfruta...

Si estás sol@, un buen libro también es buena compañía ;)




martes, 11 de octubre de 2011

sábado, 24 de septiembre de 2011

Jim Henson: Muppets y buena música.

Con motivo del 75 aniversario del nacimiento del genial Jim Henson, le dedicamos la entrada de hoy, a él  y a sus Muppets y las colaboraciones con grandes músicos y toda la música que nos insufló en la infancia. Una pequeña selección de "vídeos musicales" para disfrutar como niños.


Con Ray Charles:


Con Stevie Wonder:




Con B.B. King:


Con Harry Belafonte:


Con Cab Calloway: 


Con Cab Calloway:



Duelo Harry Belafonte y Animal: 



Mención a Charlie Parker:


La Bohemian Rapsody de Queen:


Versionando a Chip Taylor y the Troggs con su Wild Thing:


El primigenio Bip Bippadotta interpretando el tema de Piero Umiliani, que hizo famoso:



Versionando a The Beatles en esta preciosa canción de G. Harrison:


Con Patti Labelle:


Con Gladys Knight & The Pips:



Bueno, y aquí no está la mano de Jim Henson, pero la sombra del ciprés es muy alargada... y se puede ver su importante influencia. Además, me encanta la canción:


Muchas Gracias, Jim Henson, por todo lo que nos ha hecho disfrutar!


viernes, 23 de septiembre de 2011

Próximamente: Melodías animadas de ayer y hoy


Martes 11/10/11, tras el KaraokeClub en el BoogaClub de Granada.

Un repaso a la historia musical desde mediados del siglo XX  hasta nuestros días: Rock, Garage, Psicodelia, Ska, Punk, Soul, Funk, Pop, Surf, R&B... temazo tras temazo...

viernes, 16 de septiembre de 2011

B. B. King

Feliz 86 cumpleaños, Mr. King, el guitarrista más grande en vida, tercer puesto entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (detrás de Jimi Hendrix y Duane Allman), según la revista Rolling Stone.
Aprendamos la letra B de manos de este excelente maestro.
La B de B. B. King... la B de BeatbabeBop
Nos gustan las Bes... son tan chulas como un 8!





¿Quieres saber más de este increíble músico? Pues visita su web: http://www.bbking.com/

miércoles, 14 de septiembre de 2011

Una forma de vida


Suculento blog amigo que sin duda ninguna recomendamos desde aquí:

"Este es un blog sobre la cultura mod, desde el punto de vista de un mod. No se trata, a estas alturas, de dogmatizar, ni de etiquetar lo que debe o no formar parte de la escena. Cada mod tiene su escena propia, construida con los gustos individuales, la experiencia, las vivencias y el estilo personal.
Esta es mi escena.
Keep the faith"



lunes, 12 de septiembre de 2011

Bobby Byrd

El compositor de James Brown


Bobby Howard Byrd (15 de agosto de 1934, Toccoa, Georgia - 12 de septiembre de 2007, Loganville, Georgia), educado por su madre y por su abuela, destacó ya de joven por sus aptitudes sociales y de liderazgo, así como por sus habilidades deportivas y musicales, especialmente como cantante de góspel en la iglesia Baptista del pueblo.


Además de por su talento como cantante y pianista, Bobby Byrd ha pasado a la posteridad por ser el descubridor de James Brown. Muchos expertos incluso han llegado a decir que si no hubiera sido por Byrd, quien le ayudó a salir de un reformatorio y lo encaminó hacia el mundo de la música, Brown hubiera sido un don nadie.
Se conocieron jugando al béisbol. A los 19 años Brown, tras salir del reformatorio, estuvo acogido en casa de la familia de Byrd.


Compuso algunas de las canciones más célebres de Brown, como "Licking stick", "Get into It", "Get Involved", "Get Up" (Sex Machine), "Talkin' loud and sayin' nothing"...



Formó parte de Famous Flames, el grupo que solía acompañar a Brown en sus espectáculos y al que éste pertenecía en un principio también, y colaboraron durante más de 20 años en el escenario. 
Aunque Byrd fue quien compuso esas canciones, Brown se las atribuyó a sí mismo o a miembros de su familia, y debido a esto y profundas divergencias sobre la distribución de los royalties, sus caminos se separaron.


Su carrera en solitario empezó de la mejor forma posible con su canción "I Know You Got Soul" (1971), que fue todo un hit, pero lamentablemente no duró mucho tiempo arriba apesar de tener grandes canciones, y se dedicó a recorrer con su mujer, Vicky Anderson, pequeños clubes.


Falleció el 12 de septiembre de 2007 a los 73 años en su casa de Loganville, en Georgia, por un cáncer de pulmón. D.E.P.


viernes, 9 de septiembre de 2011

VIKINO SOUND PROJECTS + BEATBABEBOP

¿Tienes una fiesta? Necesitas un DJ: pincha aquí

VIKINO SOUND PROJECTS:
Granada/Costa Tropical

Realización de conciertos y amenización de eventos y bodas en Granada desde hace dos años.

Conciertos:
Concierto para amenizar, fiestas privadas, el cocktel de boda y otras celebraciones (Jazz, Flamenco...)
Microfonia, Monitores, P.A., Luces. Mesa de mezclas, técnico de sonido y grupo.

Dj's para fiestas privadas, bodas y otras celebraciones.
Platos Tecnicks, mesa de mezclas, cableado, auriculares, P.A., Luces.

Realizamos programaciones de espectáculos

Programamos, gestionamos, realizamos el sonido y la grabación de los espectáculos en audio y video, diseñamos la publicidad, Facebook, Tuenti, Myspace y WEB.

http://www.facebook.com/SOUNDSOFSUNSET
http://www.wix.com/vikinosp/soundsofsunset

http://www.facebook.com/SOUNDSOFJAZZ
http://www.wix.com/vikinosp/soundsofjazz

http://www.wix.com/vikinosp/soundsofmixture

http://www.myspace.com/jjm
usikzone

Dirección de correo electrónico: vikino@hotmail.es

Teléfono: 657780296


+

jueves, 8 de septiembre de 2011

Buddy Holly

 Aprovechando la fecha del aniversario de su nacimiento y recordando la reciente discusión que mantuve con unos amigos sobre Buddy Holly, le dedicamos esta entrada del blog.


Charles Hardin Holley, mejor conocido como Buddy Holly (Lubbock, Texas, 7 de septiembre de 1936 - Clear Lake, Iowa, 3 de febrero de 1959) fue un compositor y cantante estadounidense, considerado hoy en día como uno de los más destacados pioneros del Rock&Roll.
Desde muy niño, su casa respiraba música, y el blues, el folk y el country acariciaban los oidos del joven Holly, quien en su adolescencia ya sabía tocar la guitarra, el banjo, el violín, la mandolina y el piano. A los cinco años apareció en un escenario por primera vez, junto a sus hermanos Larry y Travis, cantando "Down the river of memories", una pieza country que les valió un premio en el concurso de la Feria de Lubbock.


Sus ideas sobre el control en la producción, siendo uno de los primeros artistas en definir su propio sonido, al que añadió refinamiento y elegancia en sus trazos melódicos, su imagen de ciudadano simple que triunfa gracias a su talento y el empeño en componer sus propios temas, hecho muy raro en la época, serían rasgos primordiales para el futuro desarrollo de la música Rock.


Si bien durante su corta trayectoria de cinco años solo alcanzó a publicar tres álbumes de estudio, su obra e innovación musicales sirvió de inspiraron y fue la influencia de muchos músicos posteriores como The Beatles, The Hollies, The Beach Boys, The Rolling Stones,Don McLean y Bob Dylan, entre otros. Sobre todo en principio por los miembros de la Invasión Británica. The Hollies tomaron su nombre de su apellido, o los Beatles, quienes utilizaron con éxito las voces dobladas que Holly ayudó a establecer.


Fue uno de los primeros artistas que ingresaron en el Salón de la Fama del Rock&Roll en 1986, tras de Chuck Berry, James Brown, Ray Charles, Sam Cooke, Fats Domino y The Everly Brothers. 


En el 2004 la revista Rolling Stone situó al músico en el puesto n.º 13 en su lista The 100 Greatest Artists of All Time.

Como hay mucho que escribir sobre Holly, y yo no tengo afán literario, os copio y pego la información que viene en la tan socorrida Wikipedia:

"Biografía:
Charles Hardin Holley nació el 7 de septiembre de 1936 en Lubbock, Texas, era hijo de Lawrence y Ella. La familia Holley se había trasladado a Lubbock para conseguir trabajo en la industria algodonera. El padre de la familia tuvo varios trabajos, carpintero, cocinero y sastre. A principios de los años 1950 fundó una pequeña empresa constructora con dinero que había estado ahorrando. En aquella empresa trabajaron sus cuatro hijos. En su familia existía un gran interés por la música, sobre todo por géneros como el blues, folk y country.

Holley aprendió a muy temprana edad a tocar el violín, el banjo, la mandolina, el piano y la guitarra, su habilidad vocal se desarrolló gracias a una competencia de canto, todo esto ocurría cuando solo era un niño de cinco años. Precisamente a esa edad, pisó por primera vez un escenario, cantando junto a sus hermanos Larry y Travis (de dieciséis y catorce años respectivamente), la canción "Down the River of Memories", en este concurso los hermanos ganaron cinco dólares.
Su familia siempre lo llamaba Buddy, y de allí surgió su nombre artístico.
Sus primeras grabaciones:
En 1949 Holly registro su propia versión de "My Two Timin' Woman" en un grabador de alambre, prestado por un amigo que trabajaba en una tienda de música, esta es considerada su primera grabación.

Tres años más tarde, junto a Bob Montgomery registraron las canciones "I'll Just Pretend" y "Take These Shackles From My Heart", otra vez en la misma casa y en un grabador de alambre, pero esta vez con Montgomery en la mandolina. Más tarde estas grabaciones se pasaron a discos de acetato. La primera grabación de Holly, sumada a estas dos y otros registros más, se pueden escuchar en el primer disco del box set Not Fade Away: The Complete Studio Recordings and More.

Montgomery conoció a Holly cuando este último empezó a asistir al instituto educativo J.T. Hutchinson Junior High School. Ellos tenían en común géneros como el country y el blues, se desvelaron por varias noches para escuchar por radio aquellas emisoras que trasmitían canciones de los géneros que les gustaba. En 1953 Holly y Montgomery comenzaron a tocar en las fiestas de los institutos.
Empezó a tocar junto a Jack Neal en 1953, en la radio KDAV en Lubbock, ciudad natal de Holly. Allí interpretaron sus grabaciones "I Saw Tthe Moon cry Last Night" y "I Heard the Lord Callin' for me", más tarde estas grabaciones se registraron en discos de acetato ennoviembre de 1953, Neal canta y toca la guitarra y Holly toca la guitarra de ritmo.

Etiqueta del disco de acetato con la canción "My Two Timin' Woman".

Con estos ensayos, a finales de ese año Holly, Montgomery y Larry Trio fueron al estudio Nesman Recording Studios en Wichita Falls.10 Entre 1954 y 1955 volvieron a grabar (él junto a Montgomery, Trio, Don y Sonny), realizaron cinco sesiones en ese mismo estudio de Wichita Falls, grabaron las canciones "I Gambled my Heart", "Flower of my Heart", "Soft Place in my Heart", "Door to my Heart" y "Gotta Get You Near me Blues". Más tarde, el 7 de junio de 1955, volvió a grabar, esta vez solo con Montgomery y Trio, grabaron "You and I Are Through" (posiblemente haya sido grabado con la idea de que sea el lado B de algún sencillo), y "Down the Line", esta última canción fue la primera composición entre Norman Petty, Holly y Montgomery, en julio volvieron al estudio para grabar "Baby Let's Play House", y para gestar una nueva versión de "Down the Line". 
 

Comienzos:
En el instituto de Holly, se realizo en 1954 un festival en memoria de los pioneros de country del Oeste, el dúo ganó el primer premio, por la interpretación con una canción country, esa canción fue "Flower of my Heart". Este éxito los animó a más, entonces, el dúo consiguió una audición en la emisora local KDAV, cuyo director, Hi Pockets Duncan, les sugirió que busquen un bajista para formar una banda y estar más completos. Entonces en la búsqueda de un bajista contactaron a Larry Welborn, un amigo de su mismo instituto. Poco después, Holly se vuelca más por el rhythm and blues, y empieza a incluir en su repertorio canciones de este estilo, en las que lleva la voz líder.

Así en un principio el interés de Holly y Montgomery se dirigió hacia la música country, pero solo duró hasta que vieron por primera vez actuar en directo a Elvis Presley en su ciudad en el año 1955. Al final del show, Holly se fue directo al camerino de Presley y se hicieron amigos, así fue como se inclinó hacia el rock and roll. Gracias a esta amistad, Presley lo invitó a ser su telonero, unos meses después actuaron como teloneros de Elvis Presley, y más tarde también de Carl Perkins, Johnny Cash y después del mismísimo Bill Haley.

Gracias al éxito de estas actuaciones, un productor de Decca Records lo escuchó y le ofreció a Holly firmar un contrato, ya que el sello discográfico buscaba un rival para Presley. Para empezar en Decca, grabó canciones en el estudio de Owen Bradley en Nashville. Su primer sencillo fue "Blue Days, Black Nights", editado en abril de 1956, aunque recibió comentarios elogiosos, las ventas no fueron demasiado buenas. Al año siguiente de este sencillo, después de haber grabado varias canciones como "Love Me", "Don't Come back Tonight" y "Baby, won't you Come out Tonight", Holly abandonó a Decca Records, la razón de su partida fue porque él se sentía insatisfecho con su trabajo. Después de su partida de Decca, emigro al estudio de Norman Petty, quién era un músico y productor (proveniente de Clovis, Nuevo México), con la intención de grabar una nueva versión de "That'll Be the Day", esta misma canción la había grabado para Decca en Nashville, pero no había tenido éxito, ya que Holly no era capaz de grabar con total libertad artística en los estudios de Decca.

The Crickets:
De regreso a Lubbock, su ciudad de origen, Holly formó un nuevo grupo llamado The Crickets, junto con sus amigos el baterista Jerry Allison, el bajista Joe Malduin y el guitarrista Nikki Sullivan. La canción que estaba en proyecto "That'll Be The Day", estaba inspirada en una frase que el personaje interpretado por John Wayne repite insistentemente en la película Centauros del desierto.

Owen Bradley consideró que "That'll Be The Day" era la peor canción que había escuchado, y como consecuencia, ninguna de las canciones de aquella sesión fueron publicadas. Entonces en el año 1957, después de haber grabado las canciones "Love Me", "Don't Come back Tonight" y "Baby, won't you Come out Tonight", Holly pensó que él y su banda podían grabar con más libertad si fueran a Nashville. Sin embargo, para un último intento, volvieron a grabar el 15 de noviembre de 1956. Holly, Sonny y Don fueron a los estudios de Norman Petty, ya que en los estudios de Decca no estaban cómodos, además Petty cobraba por canción y no por hora grabada, no tenían libertad creativa. El 22 de julio volvieron para grabar más canciones para Decca: "Rock Around With Ollie Vee", "Changing All Those Changes", "Girl On My Mind", "Ting-A-Ling", y "That'll Be The Day". Holly rompió el contrato que tenía con Decca, y noventa días antes de estas últimas grabaciones viajó 90 millas al Oeste de Lubbock para ver a Norman Petty, en Clovis, Nuevo México.
Las grabaciones en el estudio de Norman Petty:
Desde el 24 de febrero de 1956 hasta el 10 de septiembre de 1958, Buddy Holly y The Crickets grabaron sus canciones más populares, en el estudio de Clovis, Nuevo México: de febrero a abril del año 1956 se grabaron "Baby Won’t You Come Out Tonight", "I Guess I Was Just A Fool", "It’s Not My Fault", "I'm Gonna Set My Foot Down", "Changin' All Those Changes", Rock-A-Bye Rock" y "Because I Love You", de diciembre a febrero "Brown Eyed Handsome Man" y "Bo Diddley", del 24 al 25 de febrero del año 1957 se grabó el primer y único sencillo número uno, "That'll Be The Day" junto al lado B de ese sencillo "I’m Lookin’ For Someone To Love". El 25 de mayo de 1957 se grabaron dos canciones destacables, "Not Fade Away" y "Everyday", en las cuales se connota el avance musical de Holly. Unos meses más tarde, del 29 de junio al 1 de julio de 1957 se grabaron muchas más canciones, canciones como "Peggy Sue", "Oh Boy!" y "Listen To Me". Se siguieron grabando canciones y el 8 de abril de 1958 grabaron "Words Of Love", una de sus canciones más populares.

El sencillo número uno y el éxito:


"That'll Be The Day" único sencillonúmero uno en Estados Unidos y Reino Unido.

Después de las malas ventas de los sencillos "Blue Days, Black Nights" y "Modern Don Juan", el 27 de mayo de 1957 Brunswick Records (un sello subsidiario de Decca), lanzó el sencillo "That'll Be The Day", fue acreditado a The Crickets para que Holly no tuviera problemas por el contrato que había abandonado con Decca (aunque más tarde esto le acarraría problemas legales), en este momento se incorporo en la banda a Joe Moulding para tocar el contrabajo en reemplazo de Larry Welborn. El sencillo fue muy exitoso, llegó al número uno en los Estados Unidos y en elReino Unido también, ganado fama en ese país, además en el Cashbox llegó al puesto número tres por veinte semanas. Unos meses más tarde, el grupo fue a tocar esta canción junto con "Peggy Sue" en el The Ed Sullivan Show, el 1 de diciembre de ese mismo año. Gracias a los contactos de Petty, Coral Records (empresa filial de Decca), contrató a Buddy Holly & The Crickets. La canción "That'll Be The Day" propulsó definitivamente a Holly y a su banda al éxito.
Era obvio de que Decca se iba a enterar que Holly estaba relacionado con el sencillo, la empresa de buena gana decidió liberar a Holly de aquel contrato de cinco años, dándole vía libre para que firme contrato con quien quiera. Así Holly firmo dos contratos, uno con Brunswick como miembro de The Crickets y otro con el sello Coral Records como Buddy Holly, esto era una estrategia de Bob Thiele para sacar el máximo provecho al talento de Holly.

En una oportunidad, durante una gira por el Reino Unido, Buddy Holly dijo:
Sí Elvis no hubiera existido, ninguno de nosotros habría tenido éxito

Más tarde se publicaron los sencillos "Peggy Sue"/"Everyday" y "Oh Boy!"/"Not Fade Away", los sencillos lograron obtener éxito, llegando a los puestos n.º 3 y n.º 10 respectivamente, pero en el Reino Unido "Oh Boy!" tuvo una mejor recepción, llegando al puesto n.º 3.

Holly logró acortar la división racial que había en el rock and roll, mientras Elvis hacía que la música negra fuera más aceptable para el público blanco, Holly llamaba la atención del publico negro, llegó a persuadir a una audiencia (todo de negros), cuando él junto a The Crickets fueron a Nueva York al Teatro Apollo, del 16 a 22 de agosto de 1956.

La banda se embarcó en numerosas giras durante las cuales, gracias a su simpatía, a su extrovertido carácter tejano y también gracias a los nuevos sencillos "Words of Love", "Maybe Baby", "Not fade away", "Peggy Sue", "Everyday", "Rave on", "It's so easy" y "Oh Boy", trabaron amistad con muchos de sus colegas más significativos, como Chuck Berry con el que solían jugar a las cartas; Little Richard, que apreciaba la sensibilidad y genio del joven tejano; Eddie Cochran, al que Buddy admiraba por su talento como guitarrista; pero de todas las estrellas con las que tuvo amistad, The Everly Brothers fueron quienes se transformaron en sus mejores amigos.
Carrera en solitario:
En el otoño de 1958 comenzó su carrera de solista, sus primeros trabajos fueron en el Pythian Temple Studio de Nueva York, donde junto a Dick Jacobs y su orquesta, grabaron canciones como "Raining In My Hearth" y "It Doesn't Matter Anymore" (esta última la grabó en un solo intento), estas dos canciones fueron publicadas en un sencillo, y proveyeron de un nuevo número uno en el Reino Unido.

En 1958, acreditado por Coral Records, Buddy Holly publicó un nuevo álbum, su primer álbum solista y el segundo de su carrera, llamadoBuddy Holly, también había sido publicado otro álbum junto con The Crickets, The "Chirping" Crickets, ya que Buddy había firmado con The Crickets y como solista también. En agosto de ese mismo año, Buddy se casó con la venezolana María Elena Santiago y poco a poco se fue distanciando de sus compañeros y de Norman Petty, residiendo en la ciudad de Nueva York. A finales de año se separó definitivamente de The Crickets. Sin embargo siguió grabando, e intentó expandir su sonido y grabó con secciones de cuerda. Algunos de sus últimas canciones fueron "True Love Ways", "Raining in my heart" y "Moondreams".
Fin de su carrera:

Flores en recuerdo de Buddy Holly.

Buddy Holly se encontraba con problemas económicos, y ya separado de The Crickets, decidió unirse a la gira Winter Dance Party, que consistía en una serie de conciertos alrededor de veinticuatro ciudades, durante sólo tres semanas, junto a Ritchie Valens, Dion and the Belmontsy The Big Bopper. Los músicos se encontraban acompañados por el grupo Waylon Jennings, el guitarrista Tommy Allsup y Carl Bunch en la batería.

Tras actuar en Clear Lake, Iowa, Holly con cansancio acumulado, decidió alquilar una avioneta ya que la calefacción del autobús se había roto y hacía mucho frío ese día (unos -30ºc), y además para tener más tiempo para dormir. Pero ni las bajas temperaturas, ni la calefacción estropeada del autobús, fueron las causantes de su muerte. Sí lo fué el joven e inexperto piloto que pilotaba la avioneta, Roger Peterson. Su avión tenía la capacidad para tres pasajeros (cuatro contando el piloto), que tenían que pagar 36 dólares para el viaje. Entonces una vez finalizado el concierto, la avioneta despegó de Clear Lake, a la una de la madrugada, dos horas y media más tarde, se denunció la desaparición del avión. En ese avión, Holly estaba acompañado por Ritchie Valens y The Big Bopper.2 3 En esa misma mañana, se encontró en un campo de maíz un avión totalmente destrozado, alrededor de ese avión se encontraron los tres cuerpos de los músicos, habían salido despedidos por la gran colisión del avión contra el suelo del campo muriendo instantáneamente, en la cabina se encontró el cadáver del piloto, él no había sido despedido por el avión.

Así terminaba la carrera de Buddy Holly, quién más tarde se convertiría en uno de los músicos más influyentes de la historia del rock.

Repercusión de su fallecimiento:
La muerte de Holly, Ritchie Valens y Big Bopper tragedia conocida como El día que murió la música, causó un gran impacto en su época. Las dramáticas fotografías del accidente dieron la vuelta al mundo, Elvis Presley envió un telegrama de condolencia desde Alemania; a su entierro acudieron numerosos artistas y disc jockeys del momento; su féretro fue llevado por sus antiguos compañeros deThe Crickets y por Phil y Don Everly; Eddie Cochran grabó una versión de la canción "Three stars" en honor de sus camaradas muertos, además, su muerte significó el último gran golpe que recibió el rock and roll.
Características:
La música de Buddy Holly era bastante innovadora para su época. Abandonó el rockabilly, el cual había sido su influencia primaria y enriqueció notablemente el lenguaje de la música popular de su tiempo. Utilizó instrumentos poco usuales en el rock & roll, como lacelesta (en el tema "Everyday"), o las percusiones latinas. Fue un guitarrista influyente, tanto con la guitarra solista como con la rítmica, especialmente en canciones como "Peggy Sue" y "Not Fade Away". Aunque la mayoría de sus canciones reproducen los esquemas habituales de aquellos años, escribió también letras más sofisticadas. Muchos de sus canciones tienen melodías y armonías bastante más complejas que lo que se había hecho hasta el momento.

Las actuaciones en vivo de Buddy Holly & The Crickets, generaban un sonido emocionante y envolvente Allison fue un baterista con mucha inventiva y contribuyó a la composición de canciones con sus colegas, mientras que Joe B. Mauldin y Niki Sullivan siempre daban una ritmos sólidos, con igual entusiasmo que en las grabaciones.

Durante el periodo de 1957 a 1958 Buddy Holly y The Crickets encadenaron una sucesión de sencillos que más tarde serían históricos, los cuales lo convirtieron en unos de los artistas más populares de su tiempo: "Peggy Sue", "Oh Boy!", "Not Fade Away", "Everyday", "Rave on", "Maybe baby" y "It's so Easy" son algunos de los más de veinte sencillos que colocaron en el Top 100 a ambos lados delOcéano Atlántico, y algunos más exitosos en el Reino Unido que en los Estados Unidos.

Entre sus rivales, Bill Haley fue quién estableció el rock & roll, Elvis Presley agrego la sexualidad y Chuck Berry agrego raíces del blues junto con algunos de los puntos más finos de su sexualidad. En una carrera que duró desde la primavera de 1957 hasta el invierno de 1959 (menos tiempo del que Elvis pasó en el ejército), Holly se convirtió en la fuerza creativa más influyente del rock & roll.
Influencia:
Una estampilla alemana de Buddy Holly, de 1988.

Buddy Holly fue una de las primeras grandes estrellas pop de aquella época. Fue el primer artista de su época que, sin renunciar a su patrimonio cultural como el country y generacional rock and roll, marcó un estilo en el que primaban la melodía y los arreglos sobre el ritmo. El esquema clásico, metódicamente repetido por millones de bandas de rock de todo el mundo desde entonces, de dos guitarras, bajo y batería, es establecido y popularizado por The Crickets. Además, fue un precursor en el campo de la fusión de las orquestas con los instrumentos amplificados, y en la introducción en el rock de sonidos poco habituales.

Buddy Holly y la banda experimentaron con sus canciones, utilizando trucos de volumen y otras técnicas desconocidas hasta el momento, de modo que el lanzamiento de "Peggy Sue", aprovechara la clase de cambios del volumen y el timbre en la guitarra que por lo general era utilizada para grabaciones instrumentales; asimismo "Words of Love" era uno de los ejemplos acertados más tempranos de voz doble-rastreada en el rock and roll, que The Beatles, en particular, lo utlizarían en la década de 1960.

Buddy Holly tuvo una gran influencia sobre los grupos británicos que comenzaron su carrera a comienzos de los años 60. De él tomaron su nombre The Beatles, ya que Beatles significa en inglés algo así como "escarabajos" es una referencia/homenaje a The "Crickets", que inglés es grillos. Se sabe que John Lennon tenía influencias del músico tejano.También se sabe que George Harrison aprendió a tocar la guitarra con su madre y los discos de The Crickets, y de hecho ellos grabaron su propia versión de "Words of Love", la cual se encuentra en su álbum Beatles for Sale, como también The Rolling Stones que grabaron su versión de "Not Fade Away", esta la utilizaron en varios conciertos como canción de apertura del show. También el otro beatle, Paul McCartney es fan de Buddy y además propietario de los derechos del catalogo entero de sus canciones.24 y entre 1978 y 1986 organizó anualmente "The Buddy Holly week", produjo y narro el documental "The real Buddy Holly story" en 1982. En realidad se puede afirmar con rotundidad que, en mayor o menor grado, desde los The Kinks hasta los The Who pasando por The Animals, la sombra de Buddy Holly planeaba sobre cualquier grupo inglés del periodo 1963-1966.

El trágico accidente aéreo en que Holly perdió la vida inspiró a Don McLean para escribir, en 1971, su popular canción "American Pie", en que se refiere al día del accidente como El día que murió la música ("The Day That Music Died").

A principios de la década de 1970, apareció un curioso grupo llamado The Modern Lovers cuyo cantante, Jonathan Ritchman, un singular tipo que destilaba inocencia y sencillez por doquier, se reveló como uno de sus más fervorosos seguidores. Para finales de esta década, la música de Holly fue un modelo invocado por grandes nombres de la new wave, como Elvis Costello, en el Reino Unido, y Marshall Crenshaw, en Estados Unidos (quien interpretó a Holly en la película La Bamba, de 1987), quienes, al igual que los gemelos Craig deThe Proclaimers, incluso han imitado su imagen personal.
       
La lapida de Buddy Holly, con su clásica guitarra tallada en ella.



Mas información: http://www.buddyholly.com/

jueves, 1 de septiembre de 2011

Ethel Waters

Y tal día como hoy hace ya 34 años, fallecía Ethel Waters (Chester, Pensilvania, 31 de octubre de 1896 - California, 1 de septiembrede 1977), actriz y cantante estadounidense de Blues, Jazz, Musicales y Gospel.


Ethel Waters, tuvo una infancia infeliz y atormentada, vivida al margen de la sociedad y en la mas absoluta miseria, como ella misma contaría en su autobiografía publicada en 1951 bajo el titulo de: "His Eye Is on the Sparrow". Su adolescencia se la pasó trabajando como asistenta en tugurios, burdeles y antros de mala muerte en el barrio donde nació. Dotada para el canto, cosa que habitualmente lucía en los lugares donde trabajaba, fue descubierta por unos empresarios de vaudeville, y rápidamente la dieron a conocer en diversos espectáculos para negros en las localidades de Baltimore y Philadelphia.


Tras esta etapa, trabajó en Atlanta en el mismo club con Bessie Smith, quien pidió que no cantase blues para no competir con ella, por lo que Waters tuvo que cantar baladas y canciones populares, además de bailar, terreno en el que desarrollaría la mayor parte de su carrera profesional (en musicales, programas de televisión, etc.), regresando al blues muy ocasionalmente.




En 1933 trabajó en el Cotton Club de Harlem y luego en Broadway en la revista musical As thousands cheers, la primera negra en un show blanco de Broadway. Llegó a ser la cantante mejor pagada de la calle neoyorkina.



También fue actriz, tanto en películas como en series de televisión






Art Pepper


Hoy hace 86 años del nacimiento de Arthur Edward Pepper, Jr. (1 de septiembre de 1925–15 de junio de 1982), saxofonista (alto) estadounidense de Jazz.


Comenzó su carrera musical en los años cuarenta tocando con Benny Carter y Stan Kenton. En los cincuenta, Pepper se convirtió en uno de los principales músicos de lWest Coast jazz, junto con Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne entre otros.



Su sonoridad y fraseo eran totalmente originales y fue dueño de un excepcional dominio de su instrumento. Pero seguramente lo que más sorprenda de su lenguaje es el tremendo nivel de emoción que era capaz de transmitir, su pasión y sinceridad.


Adicto a la heroína y al LSD, tuvo una vida complicada también sentimental y emocionalmente, con temporadas en prisión y clínicas de desintoxicación.


“Físicamente, emocionalmente, apenas puedo trabajar. No puedo soportar demasiadas presiones. Pero debo sobrevivir, quiero siempre tocar. Necesito que me consideren como un artista. Pero quiero ser más que un músico de jazz. Quiero que el publico sienta alegría y tristeza. Abrirles el espíritu, los oídos. Es lo que siempre he querido. Y lo intentaré”.


Mas información: http://artpepper.net/